„Wer die Freiheit aufgibt, um die Sicherheit zu gewinnen, verliert BEIDES!“ (Benjamin Franklin)\u00a0 <\/p>\n
Elektronischer Musik funktionale Wirkung zuzuschreiben, ist ein Faszinosum unserer Zeit.<\/span> Paradoxerweise, weil die Elektronik gleichsam digitales Alltagslogo und hochpotente akustische<\/span> Kommunikation sein kann. „Exposition“, der Prolog von „Opus“, nimmt dieses Paradoxon bildhaft zum<\/span> Gegenstand. Irgendwo in der Staubigkeit einer kargen, wüstenähnlich anmutenden Landschaft,<\/span> taucht eine Bergwelt auf, deren monolithische, naturgewaltige Größe von grazilem Charme getragen<\/span> wird. „Exposition“ steht nicht zufällig am Anfang des neuen Schiller-Albums. Sie ist die<\/span> Freiheitsdeklaration Christopher von Deylens, die Formung einer zusätzlichen Identität seines Schiller-<\/span>Markenzeichens. Man kennt Christopher von Deylen als leidenschaftlichen, der DNA der<\/span> Elektronikmusik zugewandten Komponisten, Musiker, Produzenten und Entdecker von Klangwelten.<\/span> „Atemlos“, „Sehnsucht“, „Weltreise“, „Sonne“ – vielfach preisgekrönte Werke veröffentlichte Schiller<\/span> auf der alchemistischen Suche nach dem schönsten und perfektesten Klang mit meisterhafter Frische<\/span> und Offenheit. Christopher von Deylens Musikauffassung wird gelobt, weil sie kühn ist. Sein Feinsinn<\/span> für Nuancen im Emotionalen, das wir mit unseren Ohren wahrnehmen, bewahrt ihn vor prätentiöser<\/span> Coolness. Klischees und Vorurteile wurden aus dem Weg geräumt bevor „Ein schöner Tag“, einer der<\/span> populärsten Schiller-Songs, seine Inspiration in „Un Bel Di“, einer Arie aus Puccinis „Madame<\/span> Butterfly“-Oper fand.<\/span> Univeral Presse (Textvorlage)<\/p>\n <\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" „Wer die Freiheit aufgibt, um die Sicherheit zu gewinnen, verliert BEIDES!“ (Benjamin Franklin)\u00a0 Elektronischer Musik funktionale Wirkung zuzuschreiben, ist ein<\/p>\n","protected":false},"author":2,"featured_media":113948,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"_FSMCFIC_featured_image_caption":"","_FSMCFIC_featured_image_nocaption":"","_FSMCFIC_featured_image_hide":""},"categories":[27],"tags":[],"acf":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/113947"}],"collection":[{"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/users\/2"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=113947"}],"version-history":[{"count":0,"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/113947\/revisions"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/media\/113948"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=113947"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=113947"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/smago.de\/ws2\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=113947"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}
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\nDer Umzug in eine andere musikalische Nachbarschaft, hat das neue Schiller-Album „Opus“ geprägt,<\/span> das konkreten, identifizierbaren, tonalen Vorbildern entbehrt. Im Film würde man von „inspired by“<\/span> reden. In der Realität von Schiller schafft künstlerische Neugierde Premieren. Die Pianistin Hélène<\/span> Grimaud, deren Kreativkraft internationale Triumphe feiert, interpretiert erstmalig das Grundthema<\/span> von Erik Saties „Gymnopedie No.1“ – in der Einsamkeit eines New Yorker Aufnahmestudios über den<\/span> mit Field-Recorder eingefangenen Pulsschlag der erwachenden Stadt am Hudson River. Schnell wird<\/span> klar, wie enthusiastisch Christopher von Deylen Unterscheidungen zwischen so genannter „U- und EMusik“<\/span> als ästhetische Markierungen entlarvt und Begriffe wie Werktreue und Andächtigkeit vor der<\/span> klassischen Musik als Einbahnstrassen zum kurativen Verständnis zeitlos schöner Werke versteht. Er<\/span> ersetzt das E als Kennzeichnung der „ernsten Musik“ mit einem E für „emotionale Musik“ – ungeachtet<\/span> dogmatischer Klassik-Auffassungen. Denn auch das Gegenteil der Werktreue, die Defragmentierung<\/span> trägt zumeist dogmatische Züge. „Opus“ unterstreicht, dass sich Musik und Dogmatismus<\/span> ausschließen, wenn die legendäre Sopranistin Anna Netrebko zum ersten Mal auf elektronische Musik<\/span> trifft. Meisterhaft transponiert die weltweit Preisgekrönte Edvard Griegs „Solveig’s Song“ in die<\/span> einladende, akustische Übersichtlichkeit von Schiller. Wie kleine, emotionale Docking-Stations<\/span> tauchen Rachmaninoffs „Rhapsody on a Theme of Paganini op. 43“ und Debussys „Reverie“ an<\/span> anderen Stellen zum Empfinden des organischen, fließenden „Opus“ von Schiller auf, das mit seinen<\/span> vielen assoziationsreich gesetzten Fährten immer offen lässt, wo die oft 100 Jahre alten<\/span> Berührbarkeiten enden und wo die zeitlose Emotionalität Christopher von Deylens beginnt.<\/span>
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\n„Opus“ ist ein Schiller-Album, das in seinen Tönungen und Texturen von Klassischer Musik inspiriert<\/span> wurde. Seine Freiheit und melodische Fokussierung hat „Opus“ dem definierten, elektronischen<\/span> Heimatverständnis Christopher von Deylens zu verdanken. Deshalb mündet sein Blick über den<\/span> Tellerrand hinaus nicht in der Orientierungslosigkeit, sondern im erweiterten, klaren Panoramablick<\/span> auf die emotionalisierende Welt der akzentuierten Töne und rhythmischen Leidenschaften.<\/span> „Crossover“ ist ein vielgenutzter Konsensus respektive ein gern zitierter Euphemismus, wenn der<\/span> höchst unterschiedlich motivierte Freiheitsdrang von Musikern in ein vermeintlich verlockendes Logo-<\/span>Mäntelchen gepresst werden soll. Christopher von Deylen weiß offenbar nur zu gut, dass<\/span> Konsensfindung ihrer Natur nach eine verführerisch vereinfachende Bestie sein kann. Die Möglichkeit<\/span> ihr auf den Leim zu gehen, räumt er seit knapp anderthalb Jahrzehnten mit Schiller aus dem Weg. Ob<\/span> dem elektrisierenden Pulsschlag des neuen Schiller-Albums eine zeitgeschichtliche Musikreise oder<\/span> eine musikhistorische Zeitreise zugrunde liegt, wird ob der kompositorischen Neugierde und der<\/span> spielerischen Nonchalance, mit der „Opus“ ins Leben gerufen wurde, zur redundanten Frage. Schiller<\/span> hat sich mit „Opus“ ein weiteres, freiheitliches Idiom geschaffen. Jenseits der Konventionen.<\/span><\/p>\n